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Música Clásica y ópera de Classissima

Simon Rattle

domingo 23 de abril de 2017


Ópera Perú

21 de abril

Orquesta de Cámara de Múnich en Lima

Ópera PerúFotos: SFL (Difusión) Luego de la exitosa presentación  que realizara en el 2014 para la Sociedad Filarmónica de Lima, la célebre Orquesta de Cámara de Múnich vuelve para ofrecer un concierto el viernes 28 de abril a las 7:45 p.m. en el Auditorio Santa Úrsula. En este concierto, el segundo de la Temporada de Abono 2017 de la Sociedad Filarmónica de Lima, la agrupación germana llega con la violinista Veronika Eberle en calidad de solista, e interpretará obras de W.A. Mozart, Joseph Haydn, Max Reger y del joven autor contemporáneo David Fenessy.Reconocida mundialmente por sus creativos programas que proponen un diálogo entre creaciones clásico-románticas y obras contemporáneas, esta orquesta hace gala de una sonoridad homogénea como pocas.Fundada por Christoph Stepp en 1950, la orquesta estuvo bajo la dirección de Hans Stadlmair por casi cuatro décadas. En 1995 Christoph Poppen asume el cargo de director artístico y le da a la orquesta un dinamismo inconfundible. En 2006, y luego de diez años, Poppen fue sucedido por Alexander Liebreich, quien continúa con la línea trazada por su antecesor en la difusión de obras por encargo de compositores contemporáneos.Al inicio de su temporada 2016/17, la orquesta recibe a Clemens Schuldt como su nuevo director principal. Bajo su liderazgo, el MKO continúa presentando programas osados y asociativos, que combinan obras clásicas con composiciones de nuestro tiempo. Veronika Eberle estudió en el Richard Strauss Konservatorium y en el Hochschule en Múnich, teniendo como maestros a Christoph Poppen y Ana Chumachenco. Su equilibrio y la madurez de su musicalidad han sido reconocidos por muchas de las mejores orquestas del mundo, salas y festivales, así como por algunos de los más eminentes directores de orquestas. Ha tocado con maestros como Alan Gilbert, Kent Nagano, Louis Langree, Marek Janowski, Paavo Järvi, Robin Ticciati y Sir Simon Rattle, entre otros.Los puntos más altos de la temporada 2016-17 marcan su debut con la Philadelphia Orchestra, San Francisco Symphony y Philharmonia Orchestra de Londres e invitaciones para volver a tocar con la Montreal Symphony y Munich Kammerorchester. Recientemente debutó con la Boston Symphony Orchestra en Tanglewood, Mozarteum Orchestra Salzburg, Radio France Philharmonic y Hamburger Philharmoniker.Fue elegida por la BBC Radio 3 New Generation Artist en los años 2011-2013, y en 2010-2012 fue artista “Junge Wilde” en Dortmund Konzerthaus.Orquesta de Cámara de MúnichViernes 28 de abril, 7:45 p.m. Auditorio Santa ÚrsulaProgramaWolfgang A. Mozart: Sinfonía Nº29, en La mayor, K. 201; Concierto para violín y orquesta Nº4 en Re mayor, K. 218.David Fennessy: Rondas HirtaMax Reger: Andante lírico para cuerdasJoseph Haydn: Sinfonía Nº 45 en fa sostenido menor, Hob. I:45 “Los adioses”

Ya nos queda un día menos

5 de abril

El primer Sibelius de Rattle

En diciembre de 1981 un Simon Rattle de veintiséis años se metía en los estudios de Abbey Road para ponerse al frente de la Philarmonia Orchestra y grabar su primer disco dedicado a Jean Sibelius: el flojo poema sinfónico Cabalgada nocturna y amanecer, escrito en 1907, y la mucho más conocida Quinta Sinfonía. Esta última recreación no debe ser confundida con la que grabó poco más tarde con la Orquesta Ciudad de Birmingham, ni menos aún con las dos que tiene filmadas con la Filarmónica de Berlín. La de Birmingham no la conozco: al parecer, el primer movimento de considerablemente más rápido. Las de Berlín sí que las he escuchado, y lo cierto es que esta que ahora comento es bastante parecida. Y se trata de una muy notable Quinta. Al frente de una orquesta excepcional (¡qué metales!) a la que su batuta modela con pinceles finos, claridad y atención al detalle, Rattle acierta con el lenguaje de la obra aportando el punto justo de equilibrio entre tradición y modernidad, sin resultar en absoluto romántico o hinchado, aunque tampoco particularmente escarpado o electrizante. Su fraseo, además, es natural y posee el carácter nervioso –en el buen sentido– que demanda esta música, mientras que la tímbrica ofrece el punto adecuado de incisividad. Dicho esto, a mi entender el desarrollo de las tensiones no está del todo conseguido, al menos en un primer movimiento en el que juega tan arriesgadamente con los pianísimos que la continuidad está a punto de venirse abajo –lo mismo le pasará en Berlín–, mientras que en el segundo se echa de menos la efusividad poética que proponen los pentagramas. Lo mejor, un tercer movimiento brillante y con garra pero sin retórica, dicho además con un punto amargo muy adecuado, aunque tampoco posea la grandeza y el carácter visionario que ofrecen los grandes directores de la página, es decir, Barbirolli y Bernstein. El carácter descriptivo, animado y colorista de Cabalgada nocturna y amanecer le vienen como anillo al dedo al joven Rattle, que sabe ofrecer vivacidad, nervio e incisividad sin asperezas y no desatender los ecos románticos que aún se perciben en la pieza, pero sabiendo asimismo no caer en el mero hedonismo sonoro. Eso sí, se pueden echar de menos la nobleza, la calidez y la cantabilidad de Sir Colin Davis en su registro de 1998, mucho más lento que este (17’01 frente a los 14’28 de Rattle). La toma sonora está realizada a un volumen bajísimo, lo que permite recoger una muy extensa gama dinámica. Disco recomendable, pues. Quien esto firma lo encontró, con la carcasa destrozada y a precio de saldo, hace ya años en un mercadillo junto a la iglesia de San Sernín de Toulouse.






Ya nos queda un día menos

6 de marzo

Conciertos para la mano izquierda con Fleisher y Ozawa

Tal vez sepan ustedes que Leon Fleisher (San Francisco, 1928) estuvo sin movilidad en la mano derecha durante treinta años, entre 1964 y 1994. Durante ese tiempo se dedicó al repertorio para la mano izquierda, incluyendo tres piezas escritas para el mítico Paul Wittgestein: el Concierto para la mano izquierda de Ravel, Diversions de Britten y el Concierto para piano nº 4 de Prokofiev. Junto a la Sinfónica de Boston y su entonces amigo Seiji Ozawa –los dos terminarían bastante mal por cuestiones referentes a Tanglewood–, Fleisher grabó las dos primeras piezas en 1990 y la tercera al año siguiente; en ninguno de las tres oportunidades los ingenieros de Sony Classical dieron lo mejor de sí mismos, y en el caso del compositor ruso resultaron incluso desacertados por la lejanía con que suena la orquesta.   Como era de esperar tratándose de Ozawa quien está en el podio, la obra de Ravel recibe una recreación fascinante en lo puramente sonoro –no tanto en lo expresivo– en la que, en perfecta sintonía con un Leon Fleisher sensible y matizado, el maestro oriental hace gala de sus signos de identidad ideales para el repertorio impresionista: fraseo curvilíneo y sensual, refinamiento extremo, enorme atención a los timbres y a las texturas y desarrollado sentido de la atmósfera. En este sentido, el arranque despliega auténtica magia y a partir de ahí impera un lirismo onírico verdaderamente cautivador. Ahora bien, puede uno plantearse si es exclusivamente eso lo que pide una página tan negra como esta, por lo que aun encontrándonos ante una gran interpretación, me sigo quedando con Gavrilov/Rattle (EMI, 1977) y Zimerman/Boulez (DG, 1996). Sensacional la recreación de ese conjunto de tema con variaciones, rico en texturas y situaciones anímicas, que es Diversions. Si en la interpretación de Donohoe y Rattle grabada el mismo año para EMI la obra parece un tanto naif y superficial, en esta los dos artistas, de toque sensible Fleisher y tan refinado como siempre Ozawa, se realiza un verdadero descubrimiento al profundizar en el lirismo emotivo y por momentos teñido de amargor que desprende la partitura. Por descontado, los dos artistas frasean con la distinguida elegancia que demanda la música de Britten. Podrán preferirse enfoques de mayor incisividad y de un humor más gamberro –el de esta lectura es más bien suave, incluso amable–, pero esta interpretación da la talla de la profundidad humanística que albergan las notas Queda Prokofiev. Ozawa ofrece la interpretación en él esperable, mucho antes lírica que dramática, pero precisamente por esto le falta algo de fuelle y de garra, mientras que el segundo movimiento no resulta del todo intenso por apostar por una visión excesivamente espiritual y ensoñada, frágil incluso. Leon Fleisher sintoniza con esta manera de hacer las cosas y ofrece un toque de apreciable lirismo y sensibilidad. No seré yo quien niegue precisamente la faceta más poética de Prokofiev, pero lo cierto es que a la postre esta visión resulta más unilateral de la cuenta. Mi favorita sigue siendo la de Postnikova con su marido Rozhdestvensky (Melodiya, 1987).

Ya nos queda un día menos

15 de febrero

Lugansky con Nagano: mejor Prokofiev que Grieg

Desigual disco este, registrado –con toma sonora quizá no tan espléndida como debería– en la Jesus-Christe Kirche berlinesa por los ingenieros de Naive en febrero de 2013, En él Nikolai Lugansky une sus fuerzas a la Deutsche Symphonie-Orchester Berlin y a Kent Nagano –que había sido titular de la misma entre 2000 y 2006– para ofrecer un programa de lo más atractivo: Concierto para piano nº 3 de Prokofiev y Concierto para piano de Grieg. Las cosas funcionan mucho mejor en la primera de las obras citadas. De ella el moscovita ofrece una espléndida recreación en la que luce un fraseo ágil, efervescente y con mucha garra, admirablemente acompañado por un Nagano vehemente, atentísimo al tratamiento de las texturas y dispuesto a resaltar, como el solista, los aspectos más angulosos de la escritura, al tiempo que subraya con acierto los aspectos inquietantes y oníricos que alberga la página. Lástima que no terminen de profundizar en el lirismo y la sensualidad que asimismo subyacen en los pentagramas, aunque afortunadamente tampoco hay caídas en la blandura ni altibajos en el discurso. En la maravillosa partitura de Grieg el enfoque vuelve a ser extrovertido, brillante, desplegando ambos artistas nervio bien entendido y una buena dosis de comunicatividad, pero ni el pianista logra sintonizar con el espíritu de la obra, cuyas frases más virtuosísticas les suenan un tanto desaprovechadas –sin llegar a ser mecánicas: su toque, además de prístino, es de apreciable riqueza–, ni el director logra desplegar la sensualidad y el lirismo humanista que la partitura necesita. Eso sí, Lugansky ofrece una cadenza de apreciable garra dramática y el maestro californiano aporta un regusto amargo –frases de la cuerda tras la referida cadenza, o todo el segundo movimiento– que resulta muy conveniente, mientras que la coda final está dicha con tremenda fuerza expresiva. ¿Mis versiones favoritas? Lang Lang con Rattle en Prokofiev y Arrau tanto con Dohnányi como con Sir Colin Davis en Grieg, aunque recojo otras no menos excepcionales en mi discografía comparada.

Simon Rattle

Sir Simon Rattle (19 de enero de 1955) es un director de orquesta inglés. Adquirió preeminencia como director de la Orquesta Sinfónica de la Ciudad de Birmingham, y actualmente es el director principal de la Orquesta Filarmónica de Berlín.



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